中国工艺美术史论文范文精选12篇
论文是各专业学员都必须完成的集中实践性教学环节，不能免修。要求每位学员在学校指定的指导教师的指导下，独立完成论文的写作，
工艺美术专业论文 1
美术教育的社会使命这一命题是张道一先生1989年发表在《中国美术教育》上的一篇论文题目，也是他从事美术教育多年的肺腑之言，字里行间都布满了他对美术教育现状的关心及强烈的社会责任感。社会造就了人的使命感，人类的使命感又促进着社会的健康发展。张道一先生已有着多年的教学经验并已形成自己独到的美术教育理论，他从1952年起任教于华东艺专、南京艺术学院，到1995年在东南大学创办艺术学院，已培养众多的本科生、硕士生、博士生和国内访问学者，可谓桃李满天下。他虽然在严酷的磨难中历经艰辛，但始终没能被命运征服，在我国美术教育领域依然忠诚地耕耘。从美术的启蒙教育、审美教育、师范美术教育、工艺美术教育到参与制定我国硕士、博士研究生教育的宏观规划，张道一先生都以极强的社会使命感、务实的教育责任感，梳理着我国美术教育的现状，关心着未来的发展，培养了一大批国家的栋梁之材。
张道一先生认为，教育是一种培养人才的宏伟事业，它在社会的各部门中带有基础的性质。一般地说，教育本身不直接在社会上产生效益，而是把培养的人才输送到社会的各个方面，其效益(社会的、经济的)才会显现出来。研究教育的特点和规律，调理相互的关系，以利全面发展，又是一门重要的科学，直接关系着一个民族的素质和国家的兴旺。就美术教育的问题他又明确指出：作为体现美育重要手段之一的美术，如何熟悉又怎样实践，在实践教学中思想并不统一，仍然存在着不少问题。成绩当然是明显的，只是冷静思考起来，缺少整体的把握，多注重微观而忽略宏观，重技巧而轻理论。假如孤立地评估一门具体课程，收效颇大，但对整体结构却失去平衡。这样就无法形成良性循环，果实很多，不少带有苦涩，这是值得我们深思的。
二、关干工艺美术教育及其设计观念
80年代初，张道一先生对我国工艺美术教育刚刚复苏时所碰到的一些现实问题十分关切，曾多次到工艺美术院校和一些企事业单位举办讲座，发表有关工艺美术在社会发展中所处地位的许多言论，同时也阐述了他对当时工艺美术教育的观点，明确指出工艺美术教育应首先解决专业思想问题，树立工艺美术的设计观念。张道一先生认为各种艺术门类的社会功能作用，本来就存在有“尺有所短，寸有所长”的哲理，但若以此度彼，或是把这些问题等同起来，不仅会导致在设计思想熟悉上的混乱，也必然造成工艺美术事业的损失。在工艺美术领域，长期存在的以“画画”为主导思想的观念应该打破，从而形成一个以现代设计观念为主导思想的工艺美术新领域。他还从物质与精神两个方面，辩证地论述了工艺美术的本质及其实用因素，正是因为实用性，才决定了工艺美术同人们生活的依存关系，它所涉及的各种造物品类，同人们的衣食住行用等各个方面有着密切的关系。对于这种长期以来形成的“画画”中心论的社会偏见和对工艺美术的误解，唯一解决的办法，张道一先生指出，应从教育入手，调整教学结构，改革陈旧的教育模式，创建适合工艺美术教学自身规律的教育体系。
我国的“学堂”式的教育形式开创于本世纪初，图案教学先设立在师范学校，为手工劳作课程之一，后来才逐步完善。“五四”运动前后我国才开始创办实业教育，为了使国民能在接受现代工业文明的同时，使教育同步发展，从而创立了新型的工艺美术教育体制。当时，一些有志于工艺美术事业的人士，先后到工业比较发达的欧洲和日本学习，同时也将他们先进的教育制度和教学形式带回国内，将西方一些古典设计风格和德国新兴的设计观念直接接受过来。1949年以来，我国工艺美术教育的发展，基本与社会经济的发展同步，一些高等院校设立了工艺美术系或专业，成立了一些多学科综合性的工艺美术院校，使我国的工艺美术教育从幼稚走向成熟。张道一先生自80年代以来，以工艺美术理论研究主线，拓展到工艺美术教育的诸方面进行研讨，为我国现代工艺美术教育提出了有益的见解，从理论上建立了自身的体系，从教育观念上提出新论点，从教学方式和教学内容上补充了新内容。在工艺美术教育及其设计观念的创建中，张道一先生为此做出了贡献，同时他和同代学者一样也深知自己所肩负的历史使命。针对我国一度出现的“百袖衣式”的教学结构，张道一先生曾撰文指出：教育目标不明确，更不可能制订出有力的教学措施和合理的教学结构。也就是说，工艺美术教育的对象、目标、市场、社会需求等诸多因素是制定和完善教学结构的要害。他认为，一个学科的教学结构，就好比是一部结构严谨的机器，虽然齿轮有大有小，转动有快有慢，但是必须和谐地运作，才能组成一个有机而完整的机体。针对工艺美术教学存在的课程设置、授课方法、授课内容与专业分工等问题，
在工艺美术院校的基础课教学中，有关绘画课的设置及课时一直存在较大的分歧，这种分歧也表明工艺美术基础教学结构与专业教学结构如何统一的问题尚有待解释。张道一先生主张“画”与“工”的量度，是建立在最终教育目的之上的，建立工艺美术的设计观念，就必须从纯绘画专业思想上转过来，也就是说以工艺美术为主体而谈绘画，在这里绘画是基础之一，而不是主体，这是专业性质所导致的，并非是排斥绘画的因素，只不过绘画在这门学科中所担任的不是主角而已。如他所说，在工艺美术教学中绘画“要害是画什么，怎样画，和带着什么目的去画，即立足点站在哪里”。工艺美术和绘画同属美术学科，因此两者既有个性又有共性，绘画就是基础练习的共性之一，但共性是寓于个性之中。现在讨论问题的焦点，不在于要不要画，而是不能以“画画”来代替“设计”的问题。关于工艺美术教学中设计课与绘画课所占比重和它所应有的位置，一些专业至今还存在结构上的偏差，张道一先生早在80年代初就发表如此鲜明的辩证观点，至今仍有着现实的意义，也是我们在当前工艺美术教学中应该深刻思考的问题。
三、关于工艺美术教学的“一二一”理论构建
张道一先生在长期从事工艺美术教学工作中，对教学实践中所存在的问题一直颇为关心，80年代末他提出了“一二一”教学的构想，为我国高等工艺美术专业的教学改革提供了较为系统的参照。所谓“一二一”教学法，即在四年学制中，一年打基础，两年攻专业，一年加强修养。这个教学理论的形成，是建立在我国工艺美术教育现状仍不健全、不够科学的情况下提出的，它将克服一些长期受着美术教育一统的偏见。科学的理论建构，将有效地提高高等工艺美术教学质量和教学水平，使学生得到良好的、科学的教育。具体措施即：入学后的第一年从两个方面打好基础，一是写实的描绘能力培养，二是设计的匠意练习。入学后的第二、三年进人各专业工作室，在专业设计教师和教学辅导人员的指导下，分专题完成设计教学的主题课。与常规教学计划不同的是，张道一先生还着重提出最后一年的修养课，它包括一般史论、专业史论和选修自己所攻读的专业知识，研究与工艺设计和工业设计相关的各门学科，并深人基层对生产、市场、治理、设计进行全面的实地考察，撰写本专业既有理论又有实效的应用型论文为使“一二一”教学方案在高等工艺美术专业得以实施，张道一先生明确指出，改变我们目前工艺美术教育所存在的问题，首先要创造必备的条件，具体创见如下：
1·从招生做起，彻底改变现行的繁琐考试。必须保证高考课程的合格成绩，废除以掩盖文化课不及格为借口的浮动不定的“分数线”，各门课程均须达到60分以上。总的说是提高文化素质，加强面试，注重对艺术灵性与悟性的发掘。
2·改变包下来的办法，采取逐年择优升级，实行淘汰制，以促进学习的积极性，保证教学质量。
3·制定完整的教学计划、教学大纲、教案、讲义和示范作品、参考作品。制定严格的评定教学质量的标准，以及相应的奖惩措施。
4·提高教师素质，树立设计和生产的观念。彻底纠正以“画画”为指导的教学思想，逐渐使教师在设计与制作
5·优化“双向选择”，在第四年即与用人单位建立联系，并鼓励学生在未来工作单位的合作。
四、关于工艺美术教学的课程设置
张道一先生针对我国一个时期工艺美术教学所存在的问题，多次从教育的宏观构架中寻找原因，发表了一些带有创见性的言论，对工艺美术教育的发展曾起到过积极的作用。他还围绕工艺美术教学中基础课与基本练习的关系，专业课与创作设计的关系，史论课与知识结构的关系等三个方面，为解决和完善在教育中所存在的矛盾，对各个方面的独立性和统一性的关系做了精辟的论述。
l·“在艺术上，凡基础都带有共性，不仅要学得全面，也要学得踏实，否则就无法适应进一步创作设计的需要。对于某些共性较强的基础课，己经提出的‘专业基础’、‘结合专业’以及‘为专业设计服务’等，是不恰当的。”张道一善于从艺术规律和教育规律出发，以实证为依据，阐述基础教学与专业之间的相互依存关系。基础教育是学科需要的必修课之一，不仅是小专业范围的直接基础课目、基础教学所要达到的目的，不仅是服务于专业的先导，而应是培养学生举一反三治学能力的手段之一。他从全面概念的基础教育出发，提出了四点要求：（1）基础的写实描绘技能。不仅靠素描、水粉、水彩课教学，还应从广度上拓展；（2）基础图案的设计。这种基础练习与素描、水粉课有所不同，它具有形象思维的因素，要打破“四大变化和三大构成”百袖衣式的结构，抓住形象思维的规律实质，培养学生的创造性思维的基础练习；（3）配色练习。在研究色标与色谱的同时，使学生把握色彩学的基本知识；（4）基本制图法。培养学生制图学的基本技能。这四个方面较为准确地论述了我国基础课与基础练习的改革方向，具有较强的指导性意义。
2·专业课是针对工艺美术学科设置每个专业范围的课程。张道一先生主张，专业没有必要分得过细过多，因为从事物的性质来分析，其科目必然有其内在的联系，但必须把一些相近或相同的专业相对归类。他认为“就世界范围来说，以现代工业为主体，以机器大生产为手段的艺术设计，分成三大块是可取的。这三大块是：围绕商品的装潢所做的设计，为各种机械制品的塑造所做的设计，和为配置室内外环境所做的设计”。除此之外，他还非凡对我国传统手工艺的课程进行了分析，并提出应加以条理，纳入高等教育之中，使 就专业课的分工，他着重强调要加强五个方面的横向联系，使专业课的分类不流于一般，而具有可塑性和可变性，使之更为充实、更为完善。
1创作设计的艺术思考。美与用的辩证统一，审美的意匠与功能机构的发挥。
2人体的研究。即人与物与环境的关系。
3材料的研究。各种造物材料的性能、结构，及对物品的适应。
4工艺的研究。各种工艺手段、技术特点、加工方式，对设计的局限，及设计对工艺、材料的适应。
5消费心理和市场物资的研究。
3·史论课与工艺美术专业的知识结构，是我国现有院校所忽视的重点课程，如何将工艺美术史论纳入专业教学之中，从“共同课”中脱胎出来，是一些院校和相关专业院系所困惑的问题之一。张道一先生曾对目前学生入学前文化素养偏低、入学后又不重视补习的现实问题，提出要提高师生的基本文化素质，加强史论课规律的研究，充实教学内容，提高教学质量。他还从历史、理论、知识三个方面阐述了专业史论教育的重要性，主张使学生学习一些优秀的中国工艺文献知识，增长一些理论的思辩能力，从传统的工艺思想和科学思想中汲取营养，理顺工艺美术发展的脉络，使之更好地服务于创作新工艺的需求。他还从衣食住行的各个方面，阐释了工艺与科技、实用与审美、精神与物质之间的相互关系，从而得出工艺美术理论与知识结构在教育中占着重要位置的结论。
五、关于师范美术教育
张道一先生从事美术教育多个春秋，曾执教于师范学院，对我国现行的师范美术教育工作有着较强的责任感，1986年在《美术》杂志第5朔撰文《塑造人的大业》，评述了中国师范美术教育所存在的问题和解决这些问题的策略。
美术教育是整个文化教育的一个组成部分，张道一先生把它分为三个层次：其一是学龄前儿童教育，其二是中小学教育，其三是高等教育。在高等教育中，普通美术教育与师范美术教育虽同属一个层次，但其教育目的和要求又不尽相同。简而言之，美术院校以培养美术家、画家和专门的设计师为主，而高等师范美术教育则不同，它以培养“幼师”、“中师”师资为主，其任务是培养那些直接服务于各个层次教育所需要的美术教育工作者。而我国的美术教育的现状又恰恰混同于普通美术教育，从招生考试到授课内容，除毕业实习课安排之外，其它课程设置与教学方法均与普通美术教育相同。所以师范院校的毕业生大部分想从事美术创作，没有从事美术教育的意识，久而久之，造成了美术师资贫乏，大量毕业生改行的恶性循环。鉴于此，张道一先生曾指出：“高等师范院校的美术系，严格地说应当称作‘美术教育系’，唯其如此，才能纳入到一个完整的教育体系中，从而看出它所肩负的重大责任。”
为此，张道一先生根据我国师范美术教育的现状和实际，提出了只有将美术与教育有机地结合起来，形成一套既有原则又能变通的科学方法，才能形成真正意义上的美术教育，使 其中美术教育的位置、美术教师的具体职责自会分明。
教育原理：用哲学的观点来解释教育的目的和价值。
教育心理学：研究人在教育过程中的心理活动规律，揭示儿童和青少年在道德品质和把握知识、技能等方面的心理过程。
教育工程学：面对受教育者的各个发展阶段，培养他们的性格、智力、技能和专长等的设计，以促使其更快的发展。美术教育的全部过程，也应进行合理的设计。
教学法：包括普通教学法和分科教学法。前者研究各门课程的教学任务、原则、内容、过程、方法和组织形式等，后者则分别研究每一课的以上特点，美术教育便是一个分科。
教育见习：对幼儿园和中小学的现行教学进行观察与分析，有助于理论联系实际。
教育实习：运用已获得的知识和技能，在中小学和幼儿园参加教学工作，以验证理论和培养实际工作能力。
张道一先生关于师范美术教育的思想在目前仍具有重要的现实意义。他阐述了一个最为重要的观点，即师范美术教育是培养美术教育家，而不是培养艺术家，师范美术教育的最终目的在于带动全社会美育的提高，培养各层次教育所需的美术教育工作者。
六、关于艺术学教育
我国的艺术院校，培养了大量的闻名艺术家和艺术工作者，当我们回顾历史、肯定成绩的同时，又可以看出，艺术教育结构存在一个重要的缺陷，“即在实践和理论这一对关系上，艺术理论研究和理论教育的不足”。艺术教育主要侧重于艺术技巧、艺术语言的练习，也就是说，无论是表演、演奏、绘画、雕刻，还是工艺设计，往往在具体实践中取得的成绩最大，而对于艺术学学科的建设和艺术理论的研究和完善提高则相对较为薄弱。虽然艺术院校一般都开设艺术史论课，但都是为创作服务，为了艺术实践增加知识和修养。也有零星的艺术院校设立了艺术史系、科，但经常是孤立进行，如美术史论、音乐史论等，彼此之间并无大的联系，也只是作为一间单科来设置，并为自己本专业服务。而对于艺术学的宏观思考及整体研究和艺术学的全面教育，不仅显得薄弱，而且备受忽视。
张道一先生在《艺术学研究》发刊辞中指出，要探讨艺术发展的原理和规律，研究艺术实践和艺术现象以及各门类艺术的共性与个性，必须建立艺术学并重视艺术学的综合教育。没有艺术活动和艺术实践固然谈不到艺术的学问，然而只有艺术的创作和实践也不能等同于艺术学的建立。长期以来，艺术界重实践、轻理论，重技艺、轻研究的状况十分普遍，因而造成了艺术实践与艺术理论的失衡。鉴于这种状况，张道一先生倡导建立中国的“艺术学”，并同时在东南大学设立了我国的第一个艺术学系。艺术学系以艺术学为重点开展教学和研究， 张道一先生将艺术学系设立在综合性大学，是与艺术学的发展建设和艺术学教育分不开的。东南大学是一所以工为主、文理工等相互渗透的综合性大学，在80年代曾创建艺术系，其重点是培养实践人才，80年代后新建的艺术学系其重点在艺术理论的研究，这是一种合理的历史上升。张道一先生认为：“从人文科学的角度进行艺术学研究，设在综合性大学中更有利于发展。他可以与其他多种人文科学相互影响，也可以与自然科学沟通。由于艺术学的研究带有综合的性质，又属于人文科学的理论范畴，在科研、教学和培养人才方面，艺术学系与艺术院校便形成了自然的分工，并产生互补的关系，无疑对于我国艺术事业的发展将会起着积极的作用。”可以看出，张道一先生是将艺术学教育作为一间综合的人文科学教育来对待的，这正是艺术学教育区别于专门的艺术门类单科教育之所在。我们以为，张道一先生的艺术学教育思想不仅具有理论意义和现实意义，而且对于提倡美育或者说对于普遍意义上的艺术教育是具有一定作用的。
对于艺术学的研究和教育，张道一先生将其分作九个方面：艺术原理、中外艺术史、艺术美学、艺术评论、艺术分类学、比较艺术学、艺术文献学、艺术教育学、民间艺术学，对这九个方面，张道一先生又作了进一步的诠释。其中，艺术教育学包括艺术教育的意义与作用、艺术教育的整体结构，它可以分成儿个层次的艺术教育：学前儿童艺术教育，中小学艺术教育，普通大学艺术教育，高等和中等专门艺术教育，社会艺术教育。可以看出，普通大学艺术教育和社会艺术教育是张道一先生艺术教育思想更为宽泛的延伸，它进一步将艺术学教育从专门的艺术教育拓展到全社会的艺术教育，这也是艺术学教育作为一间综合性人文学科的体现。另外，张道一先生还指出，在上述基础上，艺术学将与多学科相结合，形成交叉的、边缘的新学科，如中国艺术思维学、艺术文化学、艺术社会学、艺术心理学、艺术伦理学、宗教艺术学、艺术考古学、艺术经济学、艺术市场学、工业艺术学、环境艺术学等，这些相关的学科也是艺术学研究和艺术学教育应该涉及的。
工艺美术论文 2
（一）人才需求状况。据调查，我国工艺美术工业企业超过3.5万个，从业人员超过300万人，整个行业形成了以私企为主体、国有联营和国有独资企业、外资企业为辅的多种所有制成分共同发展的格局。目前，全国共有工艺美术相关院校约500所，其中高职院校约156所，毕业生数量远远小于行业需求。
（二）工艺美术工业企业发展情况。宏观来看工艺美术行业，它集聚的是强大的生产能量；微观来看，它带动了大规模的就业。“十一五”时期，工艺美术行业产值以超过20%的速度持续快速增长，实现了经济效益和社会效益的双丰收，吸纳了大量人员就业，在改善民生、稳定社会方面卓有成效。正是因为工艺美术行业所具有的蓬勃生命力，在文化部2012年的《文化部“十二五”时期文化产业倍增计划》（以下称《倍增计划》）中，工艺美术成为所确定的十一大重点门类之一。根据《倍增计划》，到2015年，全国工艺美术业增加值将超过6000亿元，出口额超过200亿美元。同时，将在各地建设一批工艺美术特色产业集聚区和工艺美术研发、设计、创意基地。文化部有关负责人表示，这就需要各地区充分挖掘丰富的民族文化内涵，提升产品附加值，增强市场竞争力，打造一批具有广泛影响力的工艺美术品牌，进而带动工艺美术产业全面发展。
二、对专业建设的思考
从工艺美术工业企业发展趋势来看，未来将进入品牌战略发展阶段。中国未来美术工艺工业企业也需要“LV”，需要走进国际化。因此，开设美术类专业的高职院校应该为未来美术工艺工业企业发展做好人才培养的人力资源保障工作。
（一）继承传统美术工艺。中国历史悠久，5000年文明孕育了丰富的美术工艺文化，作为高职院校要保护好、继承好传统美术工艺文化。因为传统艺术的传承存在后继问题，很多传统美术工艺绝技和工艺美术品种濒临失传。要想使得中国工艺美术创品牌，走向世界，则应该重视传统美术工艺的保护和继承，民族的才是特色的，才是世界的。保护传承核心技艺，确实是工业美术业面临的一个严峻问题。历来，我国的工艺美术业具有行业分散、师徒传承、手工操作、工艺保密等特点。在当代社会，传统工艺美术工作者的创作条件较差，待遇不高，创作的积极性严重受挫。个人认为，高职院校在课程教学中应该加强专业人才的引进力度，降低门槛，提高待遇，吸引民间传统美术工艺大师和能工巧匠加入到教师队伍中。
（二）结合当地优势资源发展。中国每个地区都有特色的美术工艺文化，学校应该加强与政府的办学合作，充分发挥区域美术工艺文化特色和学校的办学特色，共同投入资金、提供政策建立”政府主导、校企合作”模式下的美术工艺教育教学生产性实训、实习基地，打造工艺美术店、工艺美术街、工艺美术协会、工艺美术研究所和工艺美术职教集团，为继承和发展区域美术工艺文化创造条件。
工艺美术论文 3
【摘要】在中国美学史上，由于魏晋六朝这一时期是中国的美学思想大转折的关键，这 从新石器时代一直到汉代，曾存在过丰富的美学思想，并且这些思想与六朝以后有很大的不同，这些都能从出土的文物器具和古代的文献资料中得以验证。他们将美的理解倾注于被塑造的物体，即工艺品、古代文献上，从而得到美与工艺、文学相结合的成就。
【关键词】美学；先秦；工艺美术；古代哲学；文学
一、学习中国美学思想时需把握的特点
讨论美学思想学习的特点前我们要先明确一点，即美学与美学思想是不同的，朱光潜在其晚年著作《美学拾穗集》里，作出了这样一种用语上的区分：“美学”与“美学思想”。他认为， 1750 年鲍姆加登的《美学》这本书出版，“美学”才成为一门独立科学， 而“美学思想”却与“人类历史一样的古老”。在中国漫长的历史上，美学作为学科的时间并不很长久，但美学思想却一直都存在，无论是魏晋六朝时代的诗歌、绘画还是书法，比如谢灵运、顾恺之、王羲之等人的作品，对于后世艺术的发展起着非常重要的启示作用。而这个时代所酝酿的各种艺术理论，如钟嵘的《诗品》、陆机的《文赋》等都为后世的文学、绘画理论奠定了基础。正因如此，过去对于美学思想的研究就从魏晋六朝开始。而先秦两汉时的美学思想则并不为大多数人所熟悉。其实从新石器时代一直到汉代这段时间里，美学思想也曾如花朵般静静绽放过，并且这些思想有着自身独特的魅力，影响着后世。因此，为了对中国的美学思想有更全面与深刻的了解，我们在学习美学思想的时候就要注意两个特点：第一，中国历史上，美学思想不仅仅是存在于哲学作品中，而且历代的诗人、建筑学家、画家……所留下的各种理论中也都有丰富的美学思想。这样就要求我们在学习美学思想时要开阔眼界，广泛涉猎，搜寻更丰富的材料来分析研究；第二，各门传统艺术，比如绘画、诗文、戏剧、建筑等各自都有自己的独特体系，而且各门艺术间相互影响，有时候甚至会相互包含。因此，在学习美学思想时要充分认识到各门艺术之间的相同之处和相通之处。只有这样才能让中国美学思想研究的难处变为它的优越之处，并且赋予这一研究更特殊的意趣。
二、先秦时期的工艺美术及其中体现的美学思想
中国有着五千多年的悠久历史，若论造物工艺甚至可以追溯到距今数十万年前的旧石器时代。那时由于生活的需要，人类对各类的石、骨、角进行加工制作，并在这一过程中在脑子里逐渐形成了成熟的器物形态，形成了造型的观念。
先秦时期的雕刻艺术充分展示了古人对于美的追求。如广东省曲江县马坝镇石峡遗址出土的几件玉琮，其中一件就是在简单的转动轴上机械操作得来的，这证明当时的人类已有了简单的玉饰钻孔打磨的技艺了，并且对于玉饰的造型有所考虑，尽管只是处于极简的形态。到了商周时代玉器的制作则不仅是只考虑其用途，其外形也更加精美，如河南殷商妇好墓中出土的755 件玉器，有各种礼器、柄形器及配饰等，其中多是平雕、圆雕的动物、人物，形象生动，线条流畅。
先秦时代的陶器制作也是艺术与美学的巧妙结合。人们在打磨光滑的陶坯上以天然矿物颜料描绘，再经高温煅烧，经过这般制作纹饰色彩愈加鲜艳，与器物的造型形成高度统一，从而达到了美化装饰的效果。原始陶器的造型并没有很大的突破，直到快轮工艺的出现，陶器的造型才发生了重大变化。如龙山文化黑陶中的“蛋壳陶杯”，造型挺拔规整，器壁匀薄。这一时期的陶器造型技艺均是原始审美进一步发展的体现，因为人们不仅表现了高度的技巧，同时还表现了他们自身的艺术构思以及对美的理想追求。陶器在商代后的发展，又出现了贵族专供的高级陶器，如白陶，是由高岭土烧制而成的，扣之有声，色泽皎洁，代表着当时制陶工艺的最高水平，也是我国瓷器的前身。在这些陶器的制作中，工匠们从技术结构的设计到外形的设计都必须达到合理、美观，这就要求他们要充分发挥自己的思维艺术使得作品既要体现出工艺美、形式美，又要具备时代的特色。因此在先秦陶器制作工艺中，美学思想始终贯穿其中，美与生活在工艺文化中相互结合，相互发展。
青铜器是先秦时期人们的又一重要发明，主要是利用采冶或铸造的方法制作。青铜礼器的制作在商代可以说是达到了较高的水平，如1939 年河南安阳殷墟出土的“司母戊大方鼎”做工极其考究。《周礼·考工记》中记载：“六分其金，而锡居其一，谓之钟鼎之齐（剂）。”即铸造钟鼎一类的器物，铜与锡的比例应为6 : 1( 铜占85 .7% ，锡占14 . 3% ) ，这样可使器物呈橙黄色，比较美观，并且可以敲击出美妙的音响。由此可见，古人在青铜器的制作中，首先考虑的是其造型、色彩是否符合审美，然后在此基础之上追求更高的理想即创造新技法力求使青铜器的敲击声响亦达美境。
先秦时期虽无明确美学思想提出，但每个人、每件工艺作品都以自己独特的方式推动着社会的进步、观念的发展、新作品的创作。而通过对各种新作品的外形、原料、合理性的考虑，工匠们在先秦工艺作品中不断融合了文化的精髓以及审美的观念，从而使每件作品都成为了带有鲜明的时代特征的艺术品。
三、古代哲学文学及其中体现的美学思想
中国古代人民不仅在创造新式器具上展示了高超的技艺，在哲学文学方面也有着自己独特的见解与体验。在先秦时期就有许多著名的哲学家，他们在自己的人生哲理中不可或缺的都有探讨关于美的问题，谈到对艺术的理解。其中道家学派的代表庄子、儒家学派的代表孔子和孟子，以及先秦著作《淮南子》《礼记》等都提出了各自对于艺术及美的个性理解，比如孔子善用绘画来比喻礼，用雕刻来比喻教育。当然中国哲人的思想中体现的美学思想与西方哲学中的美学有着相当大的悬殊，中国古人惯以自身的生活与自然结合的体验而得出哲理，而西方人则非亲身感受，而是根据已有的经验规则利用严密的逻辑来演绎推导出观念与哲学体系。在先秦诸子哲文中我们不难看出中国古人的哲学思想中有着与自然相契合的浑然天成的大气之美，即美学中的“自得”思想。从美学的角度看，“自得”意味着审美体验的超越前人，不依藩篱，更意味着个性的独立，破除已为僵硬外壳的既成模式。当这种自得思想被先秦诸子百家所吸收后，表现出来的就是两种观点，第一种是孔子之类的“仁者乐山，智者乐水”此类尊重艺术尊重美，寻求礼乐的本质和根源，于自然之中体验大道而得真理。另一类则是墨子、庄子之类的“非乐”、“见独”思想，他们对于艺术与美持有的是一种否定、批判的态度，认为对于艺术与美的追求是物质欲望的表现，应该坚持精神的朴素与升华。但是一言以蔽之，无论是尊重美和艺术，积极探寻美，还是持否定批判的态度，都为先秦时期中国美学思想的发展提供了动力，对后世有着极其重要的影响。
四、总结
中国历史的划分使得中国美学的研究呈现出阶段性，先秦时期中国虽未正式出现美学的分类，但美学思想已然萌发。诸子百家常用艺术作比喻来阐释自己的哲学思想，与此同时，他们的思想对后世的艺术创作也有很大的影响。在工艺品中所表现的无论是《考工记》中所形容的错彩镂金、雕缋满眼的一种状态，还是魏晋六朝之后“初发芙蓉” 乃至后世其与文学、绘画等艺术形式重叠交织共同演变发展出今时中国的独特美学思想。可见，先秦时期的工艺美术与哲学、文学是中国美学史中不可或缺的重要组成部分。
参考文献：
［1］朱光潜《美学拾穗集》.百花出版社，1980.8页。
［2］范琪。 论先秦工艺文化中的科技与艺术。焦作大学学报，2011 年第4 期。
［3］宗白华。《美学散步》. 上海人民出版社，1981.33 页。
工艺美术专业论文 4
为了适应社会主义市场经济发展对专业技术人员队伍建设的要求，客观公正地评价从事工艺美术和艺术设计、服装设计等相关专业（以下统称“工艺美术”）工作的专业技术人员的能力和水平，促进工艺美术专业技术资格评价工作的科学化、规范化、制度化，根据《工艺美术专业职务试行条例》和浙人专〔2005〕108号文件的有关精神，结合我市实际，制定本评审条件。
一、正常申报条件
申报工艺美术师应具备下列条件之一：
1、本专业或相近专业博士研究生毕业。
2、本专业或相近专业硕士研究生毕业，从事工艺美术工作2年以上。
3、获双学士学位，取得助理工艺美术师资格后，从事助理工艺美术师工作2年以上。
4、本专业或相近专业大学本科或大学专科毕业，取得助理工艺美术师资格后，从事助理工艺美术师工作4年以上。
5、获得双学士学位从事工艺美术工作4年以上。
二、破格申报条件
对不具备规定学历担任助理工艺美术师4年以上，或具备规定学历担任助理工艺美术师不满4年，具备下列6项条件中的2项者，可以破格申报工艺美术职务任职资格。
1、市（厅）级二等以上本行业获奖作品或项目的主要贡献者。
2、获市（厅）级以上劳动模范、先进工作者称号者（不含协会、团体授予的称号）；或属市（厅）级拔尖人才。
3、独创或作为主要助手参加设计制作的作品在省级以上正式的展览评比、专业竞赛中获得大奖（金奖、银奖、一等奖、二等奖）（含宁波市级金奖、一等奖）。
4、独创或主持设计制作的作品在市级及以上重要馆陈设，或被市以上博物馆（珍宝馆、美术馆）收藏，或在市（厅）级以上重要项目、重大活动中设计中标。
5、在省级以上专业学术会议上宣读1篇以上有价值的论文并被收入论文集者；或在省级以上刊物发表1篇以上具有学术价值的论文。
6、在工艺美术产品设计、生产过程中，成绩较大，为地方行业经济发展作出一定贡献，其产品在近两年内平均年创汇6万美元以上或销售收入50万元人民币以上。
三、越级申报条件
越级申报指虽没有初级资格，但符合相关条件，可以越级申报工艺美术师资格。
全日制普通高校大学本科毕业生，专业对口或相近专业，从事工艺美术工作满5年（属传统工艺美术和服装设计专业的，从事工艺美术工作满4年），专业不对口从事工艺美术工作满6年；全日制普通高校大学专科毕业生，专业对口或相近专业，从事工艺美术工作满7年（属传统工艺美术和服装设计专业的，从事工艺美术工作满6年），专业不对口从事工艺美术工作满8年。
后学历取得大学本科学历，专业对口或相近专业，从事工艺美术工作满5年，专业不对口从事工艺美术工作满6年，其中学历取得后从事专业工作年限必须满2年；后学历取得大学专科学历，专业对口或相近专业，从事工艺美术工作满7年，专业不对口从事工艺美术工作满8年，其中学历取得后从事专业工作年限必须满3年。学历取得前后的专业工作年限可以相加计算。
四、直接申报条件
直接申报指虽未达到规定学历，但符合相关条件，不需要破格，可以直接申报。
申报条件为：属传统工艺美术和服装设计等专业的，取得助理工艺美术师资格后，从事助理工艺美术师工作6年以上。其它专业取得助理工艺美术师资格后，从事助理工艺美术师工作8年以上。
五、特殊申报条件
具备以下三点者可特殊申报工艺美术师资格评审：
1、从事本专业工作满20年以上。
2、个人技艺（特艺）超众并在业内享有盛誉。
3、在工艺美术产品设计、生产过程中，业绩特别显著、贡献特别突出（独创或作为主要助手参加设计制作的作品获部级奖项；省级金奖或一等奖；宁波市市级金奖或一等奖两项）。
以上越级申报、直接申报和特殊申报仅限于在企业工作的专业技术人员。
凡直接申报特殊申报和破格申报的人员，在具备上述条件的同时，必须参加由评委会组织的同行专家面试，面试合格者，方可提交评委会参加评审。
六、市经委、各县（市）区可根据本行业、本地区的实际，制定工艺美术系列初级申报条件。
工艺美术论文 5
随着少府中央工官系统的建立与发展，汉代的工艺美术种类具有明显的规范化和系统化的特征。正是具备了这样完整严谨的工官管理制度，在工艺美术上必然造就了辉煌的工艺美术。其层级化管理主要体现在两个方面：中央和地方；官营与私营。汉代铜镜的制作时继战国之后又一次大的发展，是青铜器的主要品种。官方的制铜机构有中央少府属官的尚方令、考工令。至武帝时又进一步细分，分为左、中、右三官属。在这种官方管理下产生了螭形镜、规矩镜、画象镜等众多精美的铜镜。随着镜子的普及，民间的私人制镜也开始大规模出现。从出土的铜镜铭文上有“刘氏”、“李氏”、“王氏”、“翟氏”等均可以证明。在发展官方的手工业之下，相对而言的民间手工业并没有因此停滞，两者相互借鉴、并行不悖。在铜镜的制作上，两汉时期的工匠已经熟练掌握各种合金间的比例分配、金属特性，在铜镜中加入一定的铅，利用铅溶液的流动状态良好的特点，从而有助于镜面的干整，减少气泡，增加了文字和花纹的清晰程度。这种以少府为中心的工官体制加强了匠师们之间的技艺交流，彼此之间相互切磋，在反复实践中总结出这些在今天看来仍然不可思议的技术参数，这又是它的优势体现。总之无论是中央与地方的层级化管理，还是官营与私营的规范化程式运作，一方面保证了工艺品顺利流通，广大劳动人民也能够从中受益；另一方面这种双轨体制有效的保证了艺术设计的高品质，两者之间相互补充，资源共享，共同促进了工艺美术的繁荣，艺术设计门类的齐全，使手工业的发展潮气蓬勃。
二、工艺督造的严格化
在谈到工艺督造的严格化方面就不得不提及汉代的计量工具。的制作要求也是异常严格。据《陶斋吉金录》记载西汉建始二年造鐎斗“中尚方造铜鐎斗，重三斤九两，容一斗”。《善斋吉金录。任器》有莲西宫铜鸟奁铭文：“莲西宫铜鸟链，容一斗八升，并重十一斤二两”。这表明在用料选材上精确到了“两”的程度。汉代陶器等日常用品也都注有具体的容量体积。小山富士《中国青瓷史稿》有中平六年陶匝，记载：“中平六年五月十二日，尚方作，容一升八两”。这些表明当时官府对这些器物制造设计的控制是非常严格的，很多主要有少府属官专门统一管理监造，从而避免了民间粗制滥造现象的发生。在西汉时期铜钱的制造也值得一提。主要流行五铢钱，在汉武帝时期统一将货币的铸造收归官造，技术相对以前也有所提高。在出土的王莽时期的陶器范中刻有工人姓名，例如陶范中出现的“工乘山”、“申工长寿”等人名，其主要目的是为了防止工人在制造过程中偷工减料，通过刻名的方法能够在出现问题时加以追究考证。这虽然是古代统治阶级压迫劳动人民的证据，但是也从另一方面说明了铸铜工艺督造的严格化。
三、工官管理体系对器物生产专业化、标准化趋向的影响
器物设计的标准化专业化与计量工具的发展密切相关，由于汉代在先秦统一度量衡的基础上进一步明确规范，使得其他艺术设计的种类具有统一的标准化程式成为可能。为了符合设计的标准要求，这种特征在设计材料中也明显的表现出来。从发掘的东汉砖室墓葬用砖的情况看，虽然墓葬的大小规模不同，但大部分主要是长方形砖、字母砖为主。有时候也会根据实际情况加以改变，增加或者减少尺寸。这些都说明不管是砖的形制还是其他的器物形态，基本上都有一个通用的标准，对器物设计的专业化、生产的标准化具有重要影响。正是因为具有了一定的标准化规格才使得无论是在民间运用还是皇家采纳都能有一定的认可的标准，大大提高了手工业的效率与质量。总之由于汉代的器物的尺寸有了精确的计算，材料的长短有了具体的说明，布帛的长度有了明确的确定，漆器制作中的用漆分量等等，都慢慢的具有了统一的标准，这些标准化、程式化在一定程度上使得设计制造变的相对规范和统一。
四、结论
工艺美术论文 6
关键词：工艺美术；日本；茶道文化
茶道是日本的一种传统文化，并且有着其独特的艺术形式以及相当多的鲜明特点。在日本的茶道当中，生活与哲学以及相当多的内容是分不开的，而茶道又是完整地体现了这些内容，能够把人们 在实际的文化艺术方面，茶道本身所涉及的内容是十分广泛的，不仅包括了基础的诗词、绘画、建筑、书法，还包括了深层次的工艺美术，这是一种意境上的动态美感，其赋予了茶道相当多的独特韵味，使得茶道能够被人们广泛地接受和认可。并且茶道在实际的文化艺术形式当中，所形成的表现形式是十分直接的，包含着多种文化的综合和创新，尤其在工艺美术的彰显上，有着自身独特的风采。在日本的茶道当中，对于茶道的境界美有着相当高的要求，不仅要求人们要有较高的欣赏水平，而且要有一定的品茶爱好，否则，很难感悟其中的美感，因而日本的茶道又是一种庄严的形式风格。但是不得不说，日本的茶道文化也有一定的可取之处，比如在喝茶时候的环境必然是静美的，而环境是清美的，风景则是幽美的。
1日本茶道文化当中的工艺美术总谈
工艺美术本身是以工艺为原型的，而且是在工艺当中体现出一定的美术特色，给予人们独特的美感，但是在实际的日本茶道文化当中，却过多的包含了这种艺术特色。日本茶道文化当中的工艺美术，具有相当多的鲜明色彩，首先其体现在风景的幽美上。由于对茶道的美感体现需求，日本民众很多会选择将品茶的地方放置在一个幽美的环境下，以此来衬托茶的味道之美，而它本身也是工艺美术当中的一个主要特点。其次是清美的居室。在日本，进行品茶的时候，通常都比较静，并且室内的环境也比较优越，给人一种品茶的神圣感觉，不由得一切外物来打扰，担心可能破坏了茶道的整体美感。接着是纯美精致的品茶器具，由于实际的日本茶道具有最为切实的需要，因而在实际的工艺美术彰显当中，必然要选择一些精美的品茶道具，而这些道具的存在，无形之中加大了茶的整体美感。最后是品茶的寓意，与工艺美术进行了很好的结合，所体现出来的韵味相当多，而且异常的唯美。
2日本茶道文化中的基础工艺美术彰显
2.1景幽在日本茶道文化当中的工艺美术表现，首先体现在景色的幽美上。但是在实际的理解当中，人们却将幽美误当成了优美，虽然两者都可以形容环境的美丽，但是，放在这里去形容日本茶道文化中的工艺美术，却应当是幽美。最主要的原因在于日本的茶道文化所包含的工艺美术是一种工艺的美，而工艺所形成的环境，如果用优美来形容，仅仅来说明环境的一般美丽，但是幽美却可以实实在在的体现工艺的过人之处，将工艺与美术完全地结合，形成了不一样的景色美感。在日本的茶道文化中，人们习惯于处于较为幽美的环境下进行品茶，最主要的原因在于在传统的日本文化思想中，品茶属于十分庄重的生活艺术，需要用心去对待，因而选择品茶的环境 2.2室清在日本茶道文化中的工艺美术彰显，室清应当属于人们最容易理解的内容之一，即保持品茶室的整洁和安静。通常而言，在开展品茶的时候，日本人会选择与来访的客人进行单独的品茶，而将其他的下人支开，以保持居室的清净。并且每一次来到品茶室，都可以发现环境相当的整洁，并且几乎没有人来过的痕迹存在，最主要的原因是因为每次品茶结束或者品茶前，都会对品茶室进行一定的打扫。而这里的工艺美术主要体现在品茶室的装潢都进行了一定的工艺改善，使它的外观和内在保持同步，进而实现唯美的品茶环境。
3日本茶道文化中的深层次工艺美术
3.1器美如果经常涉及一些日本的电视节目，可以发现其中进行品茶的时候，所选择的品茶器具都十分的优美，并且对这些器具进行细致的观察，可以发现每一处的品茶器具都有着自己独特的特点，所有的品茶场景都涉及一定的优美器具，而这本身也属于对茶文化的一种尊重。在日本人的基础修养当中，品茶的器具一定要保持较高的艺术感，并且能够给人一种品茶的优越感，否则会使得整个品茶过程严重的失去意义。在品茶的时候，日本人所选择的器具都是一些十分精美的器具，而这些器具也仅仅被当做饮茶的器具，并没有其他的作用。同时，由于品茶的时候，有了这些美丽的茶具，会给品茶的整个过程赋予一种特殊的色彩，甚至会带来很大一部分和谐。3.2意深不得不说，日本茶道文化中的工艺美术，彰显最多的就是品茶的意味，工艺在于纯良唯美，而品茶的过程也是一个精纯的过程，需要经过逐步的淬炼，进而形成最终的艺术。品茶在日本的文化当中，本身就是一个艺术的存在，它对于人们的诸多艺术宣传，最主要的体现在于其具有相当唯美的煮茶、泡茶、饮茶过程，而每一个过程当中都有着需要注意的点儿，而这与工艺的形成不谋而合，都由于工序上存在着相当多需要注意的地方，因而在实际的品茶过程当中需要尤其注意，给予品茶实质的美感。而且品茶品的除了茶以外，更多的是一种意境，一种唯美的意境，需要人在品茶的过程中进行细致的体会。日本民众在品完茶之后，都会进行沉思，将茶的味道进行深层次的融化以后，才会对茶进行一定的赞美，并且这种赞美往往都是由心而发，能够带领品茶的双方进入较高的品茶意境，而不会单纯地停留在品茶的表面形式当中。
4结束语
总而言之，在日本茶道文化中的工艺美术，可以总结为景幽、室清、器美、意深，并且其中的每个工艺美术特征都在茶道文化中有着独特的彰显，也会在以后的发展当中衍生出更多的音乐美感，使人产生相当多的艺术气息，进而深层次地融汇在品茶的过程中。对于品茶的认知，工艺美术应当与其有着相当多一致的特点，尤其是品茶的过程需要从第一个工序到最后一个工序，期间相隔了比较长的等待时间，而茶道的寓意在于心静和唯美，因而，在品茶的时候，需要认真欣赏周边的环境以及居室内的温馨，进而使得茶道文化能够得到深层次的寓意渲染，同时品茶也是一门艺术，需要与工艺美术的各个审美特征进行一定的融合，实现不一样的品茶意境，并给人以独特的茶道美感。
参考文献
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[4]佟君。日本茶道及其文化内涵[J].日语学习与研究，2007,(05):46-52.
传统工艺美术论文 7
一
英国人威廉·莫里斯领导“工艺美术运动”的本意是“手工艺的复兴”，最终却衍变为现代艺术设计的开端：柳宗悦倡导的日本民艺运动，更多地带来了手工艺品的量化；德国工业联盟和包豪斯所追求的“艺术与手工艺的结合”在今天看来依然是一个未完的命题。工艺美术作为黑格尔所说的“次要艺术”，在机械文明和城市化进程中，似乎很难通过其“亲切温润之美”，“反映民众的生存活力”。
几千年来，历代能工巧匠及其匠心独运的传统工艺大多依靠师徒口传，工艺美术作为延续文化记忆和文化想象的造物形式，对它的理论研究不但在当今学术界存在被边缘化的趋向，就是在日常生活中也没有发挥出其在现代社会中应该呈现的价值和尊严，也就更难以被推动为立足于中华民族文化根基的艺术本原的思考。但我们无法否认的是，作为延续历史最长的一种民族艺术与文化传统，工艺美术研究面临的问题和理论求解的复杂性也是其他艺术领域所无法相比的。
虽然我们在工艺美术方面的研究传统积累丰富，但与积淀丰厚的民间工艺美术资源相比，理论研究仍然显得单薄，甚至对于工艺和设计的理论区分都存在着解释的模糊性，对于理论的失语，杭间教授在《手工艺的“新美学”释义》一文中指出：“当代主流社会强调手工艺的‘非物质文化遗产’的重要思想属性，这样做本质上是片面和‘功利’的，因此传承人被宣布保护后接下来如何做，无人知晓。”在如此的设问之下，杭间教授进一步指出了“强调微观的、实证的、调查的、小中见大的研究”对工艺美术研究的重要性。
更有研究者认为，传统工艺美术更加具备文化创意产业的资源和条件，并遗憾于国内文化创意产业研究机构对传媒、影视、动画等已然市场化的艺术门类的青睐。我们可以认为，工艺美术作为活着的传统既被认为和国家、地域、族群的文化表象形式有关，又可能是现代性及后现代性的得已建构的文化产品。即使如此，笔者仍然认为，虽然理解社会的现代性，物质文化与都市消费是不可忽略的重要侧面，但是与贴近实务的业界前沿问题的解决相比，完成中国工艺美术从古典形态向现代形态转化，在理论方面的建设显然更为重要。相对于设计美学研究的“高空作业”和工艺美术研究的“在地生根”，我们也许更需要一种“在路上”的行走方式。
二
实际上，我国的工艺美术研究领域除了关注其艺术本体的艺术学研究范式之外，也出现了将工艺美术视其为子系统的文化人类学的研究范式。文化人类学对艺术学、民俗学包括工艺美术等相关领域的辐射，最终促成了路径指向不同但却可以同归一途的“艺术人类学”生成。复旦大学郑元者教授在其《艺术人类学的生成及其基本含义》一文中指出：“事实上，从史前艺术演化至今，人类艺术总是与特定的生活状况，生活经验、生命感受和生存理解直接相关，从而在最大的情境性上呈现出复杂的观念、动机，目的和行为，表达多维的功能和价值意味。”我们可以这样理解：对原在性东西的思考，发现其原初意义的审美品格和文化符号背后的隐喻，是工艺美术研究应该承担的责任。工艺美术应� 工艺美术的时代价值不应该只关注艺术品和其现象本身，不应该为工艺而工艺，而应当关注其所产生的社会结构和文化体系，并通过对艺术品、艺术表现形式以及各种艺术实践、审美活动的民族志描述，进而探讨或揭示其中蕴含着的文化意涵。
传统的工艺美术品是艺术人类学研究的“活化石”，艺术人人类学在包括传统和现代工艺美术在内的诸多专题领域，均相继积累了大量的研究成果。作为新兴的学术领域，其文本框架不是古典人类学的模型，而是现代人类学的哲学进路。不是对“小型社会”的艺术现象的基本描述，而是对艺术与人类存在关系进行的思辨与阐释。从当代人类学的视角激活工艺美术研究，让工艺美术成为“流动的水”，同时让工艺美术研究进驻艺术人类学的学科平台，从而促成学科间的交叉互渗，增强各自的伸展活性。
工艺美术的艺术人类学方法研究，不仅仅意味着研究者身处研究对象的实体空间，更意味着精神性的“在场”。在研究方法上，艺术人类学的研究主要是以实证性的田野� 这种集考证、归纳与文化阐述为一体的研究方法，突破了实证主义艺术学研究将艺术活动量表化以及忽视艺术创作内在体验的研究倾向，以富含活性的观点考察民族审美心理的形成，并从工艺美术资料中获得关系到民族大文化的历史信息，让文化得以传承和再生。
工艺美术论文 8
（一）郴州民间工艺美术
郴州民间工艺美术，是郴州当地文化与中原文化、客家文化与岭南文化的相互融合的独特产物，是中国民间工艺美术的一个重要组成部分，在艺术思维、艺术理念、艺术特征、艺术形式等方面具有鲜明的个性。但是在长期的实践中，郴州民间工艺美术并没有得到应有的重视、传承和运用。在分析整理郴州民间工艺美术的基础上，充分挖掘郴州民间工艺美术的积极因素，并创造性地应用于平面广告设计和平面广告设计教学中，在理论和实践两个方面进行探索，具有一定的积极意义。郴州民间工艺美术是湘南民间工艺美术中的一个重要部分，目前，专家学者们研究以郴州市民间工艺美术为主要，然后辐射整个永州市和衡阳市，即湘南地区。其研究主要从湘南古民居、湘南民间工艺美术、湘南民间石雕、湘南民间木雕等几个方面，对民间工艺美术进行了归类、分析和整理。依据研究角度的不同，对有关湘南民间工艺美术研究著作的代表作进行简要概括：
（1）具有地方特色的湘南古民居著作，如唐凤鸣著《湘南民居研究》、范迎春著《湘南宗祠——建筑及装饰艺术研究》、王铁著《2012中国高等教育设计专业名校实验教学课题：湘南民居印象》等。
（2）有关湘南民间工艺美术的课题与论文，如陆岚的湖南省社科基金课题《湘南民间工艺美术资源的挖掘利用与理论研究》、论文《浅析蓝印花布的色彩观》等。
（3）湘南民间石雕的研究课题和论文，如何次贤的课题《湘南民间石雕的人文内涵、艺术价值及其保护与利用研究》、论文《湘南民间石雕艺术的文化寻绎》《从湘南民间石雕艺术看中国民间文化的崇德立德意蕴》等。
（4）湘南民间木雕的研究论文，李曦《湘南民间家具的装饰特征研究》《湘南古民居的木材选用与木雕装饰》《湘南古民居木雕艺术》等。以上这些课题、论文、著作主要从研究郴州民间工艺美术自身的特征入手，广泛收集郴州民间工艺美术的作品，阐述民间工艺美术的概念并将其分类，系统的分析其造型、色彩及美学特征，部分著作还进一步研究了民间工艺美术产生与发展的历史文化背景。
（二）郴州民间工艺美术对平面广告设计启示（艺术造型的直接借鉴）
1.为平面广告设计注入新的设计灵感
传统民间工艺美术是现代设计的土壤并影响其的发展，传统民间工艺美术来源于群众，并为群众所熟知，平面广告首先得被广大群众认识、认同并接受，因此将民间工艺美术引入平面广告设计，既对民间工艺美术加以提炼与创新，又能让平面广告为人民群众所理解，从而引起情感上的共鸣，以达到广告宣传的目的。改革开放以来，国际先进的平面广告是国内学习和引进的主体，西方文化也在其中自然而然的传入，从而使中国传统文化面临严峻挑战，特别是民间工艺美术正面临消亡的边际，将其引入到平面广告设计中，既为中国平面广告设计注入新的设计灵感，又为民间工艺美术的继承和延续寻找到新途径。
2.为郴州地区的民间工艺美术传承寻找到新的载体
郴州民间工艺美术具有独特的审美情趣、艺术形式和表现方法，它存在于人民的日常生活中，是中国人民群众辛勤劳动的结晶。由于受我国工业化、城市化的影响，民间工艺美术的创作者和消费群体大量进入城市务工，使得郴州地区民间工艺美术的生存环境日益恶化，许多民间工艺美术正在加速消亡。将郴州民间工艺美术引入平面广告设计中，将为其生存找到新的传播载体，在传达给广告受众的同时，促进其转型与可持续发展，也将为现代民间工艺美术再设计与开发应用提供参考依据。
3.是中国民间工艺美术研究的一种有益补充
从文化传承角度的考虑，郴州民间工艺美术是中国民间工艺美术中的一部分，具有浓郁的地域特色和独特文化的不可替代性，对其文化艺术特点进行深入分析研究，是对中国传统民间工艺美术研究的一种有利的补充与完善。虽然郴州是中国的一个市，但其工艺美术是人民群众对大自然最纯朴、最直观的审美感受和情感体验，这种自然与纯真也是现代平面广告设计所追寻的。在经济全球化的今天，对郴州民间工艺美术的探究，既是对中国工艺美术的一种补充，又是对中华传统文化精神魅力的进一步挖掘，也将影响着现代平面广告设计作品的创作。
二、郴州民间工艺美术在平面广告设计中的应用
郴州民间工艺美术从源头上分析，是郴州当地文化与中原文化、客家文化与岭南文化的相互融合的独特产物，在艺术思维、艺术理念、艺术特征、艺术形式等方面具有鲜明的个性，是中国民间工艺美术的一个重要组成部分，其对包括平面广告设计在内的现代艺术的启发和借鉴意义是可以预期的。但在可见文献中，还没有发现把郴州民间工艺美术应用到平面广告设计教学的研究，因此，这属于尚未涉足的领域，本研究具有一定的突破意义。
（一）平面广告设计教学中如何应用郴州民间工艺美术
1.情感的继承
平面广告设计者只有在真诚理解郴州民间工艺美术创作者情感的基础上，才能深刻的挖掘劳动人民的艺术成果，并把他们的情感融入到自己的设计作品中。例如，在平面广告设计实践教学中，研究郴州大布江拼布艺术的一组同学，一开始只是在网络上搜寻整理资料，缺乏对拼布艺术实物的真实美感的体验，在老师的建议下，联系了非物质文化遗产大布江拼布绣传承人何娟，走进了她的公司，了解她的创作历程与民间工艺美术创作的情感体验，接触与了解到真实大布江拼布作品的魅力，他们满怀激情的研究进程PPT汇报，感染了每一位同学，也让班上所有同学了解了大布江拼布艺术绣，为后期拼布艺术在平面广告设计中的应用打下坚实的基础。平面广告设计与民间工艺美术虽然在思维方式、表现手段、传达载体上有很大区别，但是对生活的热情、对劳动的赞美、对祖国的热爱是相同的，广告设计者在情感上的继承，也将为平面广告设计作品融入生命力，恰如其分的情感融入，不仅可以为平面广告设计作品增资天色，又可以使其具有亲和力，拉近广告受众的距离，让他们自然而然接受，做到润物细无声。
2.造型的借用与发展
郴州传统民间工艺美术造型丰富多彩，既有表达吉祥幸福的人物、动物花卉、文字、云纹、回纹、几何抽象形态等，又有� 如果将这些丰富多彩的造型借用于平面广告设计中，将为平面广告设计开拓新的创作空间。如：陈秀同学利用郴州民间剪纸的造型形式制作了“南京青奥会欢迎您”平面广告作品，在全国大学生广告艺术大赛“南京青奥会”专题设计大赛中荣获三等奖。郴州民间工艺美术造型的借用与发展，既丰富了平面广告造型语言，又为广告主融入消费群体奠定基础。将郴州民间工艺美术融入平面广告设计课堂教学中，既是对郴州民间工艺美术造型艺术的传承，也是对郴州民间工艺美术造型艺术的发展。民间工艺美术造型经过提炼再设计，既吸收其造型的精髓，又承载着广告主赋予的消费理念、价值引导、审美情趣等，是将造型特点、形式美感、大众识别性等融入到平面广告设计中，为平面广告设计注入新鲜血液，促进平面广告设计的发展。
（二）理念的创新
郴州民间工艺美术融入平面广告设计教学中，主要是三个方面的创新：郴州民间工艺美术传承的创新、平面广告设计形式与内容的创新、课堂教学的改革创新。
1.郴州民间工艺美术传承的创新
在全球经济一体化的大趋势下，现代化工业文明的迅速扩展，物质消费方式和生存观念的急剧改变，导致许多民族的民间工艺美术在不断消亡和流变，郴州民间工艺美术也正在消逝。2014年全国两会，全国政协委员潘鲁生就工艺美术的传承和延续指出，设计是其中一个很重要的环节，精彩的创意设计可以使传统工艺美术焕发新的生机，既可 高校具有文化资源优势，地方高校通过其教育幅射功能，可以对地方传统民间工艺美术传承发挥直接的、有针对性的作用和影响，地方高校平面广告设计与地方民间工艺美术只有合作互补、相得益彰，才能促进彼此之间的良性互动和可持续发展。
2.平面广告设计形式与内容的创新
在“地方高校应用转型”的形势下，我院将艺术设计专业定位为“服务地方经济”，作为其主干课程之一的平面广告设计，将本地的工艺美术资源请进课堂，通过教学手段进行继承和延续，对平面广告设计表现形式进行创新的探索，对平面广告设计内容进一步丰富，将郴州民间工艺美术的吉祥寓意、造型特点、审美情趣引入到平面广告设计中，是对平面广告设计形式与内容的创新。
3.郴州民间工艺美术融入平面广告设计教学中是对课堂教学的改革创新
工艺美术专业论文 9
论文摘要：我国传统工艺美术在世界工艺美术发展史上曾处于领先地位，对世界工艺美术发展产生了深远的影响。现今，日本及一些欧美国家已经取代了中国工艺美术的领先地位，走在世界工艺美术的前列，这一现状尤为值得深思。笔者以促进我国传统工艺美术的发展为主要目标，通过分析当今传统工艺美术在美术本科教育中的现状，提出了一些促进传统工艺美术教育发展的措施。
一万年前原始社会新石器时代已经开始出现了真正意义上的工艺美术，从新石器时展至1911年清朝灭亡，我们的祖先创造出了种类繁多、技艺精湛的工艺美术作品，为我国在世界上赢得了“丝国”、“瓷国”、“漆国”的美誉。 [1]但令人惋惜的是，我国工艺美术的发展现状与古代在世界上占绝对优势的领先地位相比已经大相径庭。就陶瓷而言，在创意设计上日本和一些欧美国家已经走在了世界的前列。日本在陶艺普及教育上更是做到在每一个市、县的公民馆设立陶艺班，甚至一些普通老百姓的家里，也设有简单的陶艺家庭作坊；再就漆器而言，在漆器工艺界内谈到漆器，更多人认同日本已�
通过查阅多种工艺美术类书籍，笔者发现我国介绍制作工艺和制作方法的精品书籍比较缺乏，而作品鉴赏的书籍居多，导致制作传统工艺得不到较好的传承与提高。介绍传统工艺作品的书籍，尽管登载了非常多的作品图例，却没有对作品使用的原材料以及制作工艺进行详细描述，若增加对制作工艺介绍能更好的帮助读者进行传统工艺的学习。
一、本科工艺美术教育现状及对策
1.在我国开办美术专业的本科院校中，工艺美术教育相对与其他美术专业发展较为缓慢，特别是综合类大学中的工艺美术本科教育发展得更加缓慢，而迅猛发展的电脑美术教育与此构成鲜明的对比。在政策上，电脑美术教育得到了国家教育机关的大力支持，同时学生个人电脑的普及 以广州大学为例，所有学生宿舍都配备了电脑专用书桌和互联网接入端口，而大多数美术专业的学生在宿舍放置了个人电脑，从他们日常操作电脑的熟练程度可以看出，使用电脑进行美术创作对于电脑美术专业学生已不是难事，而非电脑美术专业的学生也能使用电脑辅助制作自己的艺术作品。事实上，我国本科院校工艺美术教育的普及化远远不如电脑美术教育。动手能力方面，相当一部分在读的本科大学生由于在日常生活中缺少使用锯子、钉锤、铁丝等工具的经验，在工艺美术课上容易因操作不当而受伤，使部分学生对工艺品制作产生抵触心理。此外，从就业问题而言，多数学生认为如今已是科技日新月异的时代，觉得使用电脑进行创作设计，比手工艺品制作更适合社会需求，而电脑美术设计的就业面和薪酬更符合个人要求。因此我国工艺美术教育的发展在一定程度上受到了社会因素制约。
即使在工艺美术教育普及化程度较高的日本，在科技高度发达的今天，也存在着手工制作传统工艺传承问题的担忧。日本工艺美术教育学者春日明夫说过：“由于我们过多沉浸于太便利的生活中，往往失去了人类把东西制作出来它本来的意义所在。”,“正是处于信息时代，我们才更有必要再重新认识人类根源性的行为中用手制作东西的重要性。”[2] 而中国有句古话“温故而知新”,通过学习我国传统工艺制品的制作过程，感受人与自然的关系对培养创造型思维能力有很大帮助，也有利于继承和发扬我国传统工艺美术事业。
2.本科院校工艺美术实验室设备设施基本存在数量不足的问题，授课时往往不能满足一个班的学生同时进行操作。由于实验室设备数量不足，学生把宝贵的时间花费在等待上，使得本来就不多的操作设备的机会进一步减少。为了增加学生动手制作机会，提高他们的动手能力，为工艺美术实验室配备充足的设备设施是很有必要的。
3.由于多数传统工艺文化相关的书籍缺乏制作工艺说明，需要专业教师在课堂内不但要进行理论讲解，而且要多对制作工艺、原理进行说明与操作示范。若有条件，更应带领学生参观民间传统工艺作坊的作品制作过程，甚至亲身体验工艺品制作。身在工艺美术本科实验教学第一线的教师，应该考虑如何增加学生与传统工艺美术艺人的接触机会，不仅能使学生加深对制作工艺的认识，更扩大学生的视野，提高艺术鉴赏能力。当然，本科工艺美术教育并不是以培养传统工艺艺术家为目标，事实上，无论成为哪一门传统工艺的艺术家一般都需要5年以上的钻研时间，本科教育阶段并不足以实现这个目标，本科教育培养目标是使学生在课堂内外通过对艺术家的了解认识，建立自己的人生观、树立艺术家的世界观、审美观，为日后的艺术生涯打下良好的基础。
二、本科工艺美术教育展望
本科美术专业的学生一般都生活在校园环境内，生活往往是单一的两点一线往返于教室与宿舍之间，客观条件的限制使多数学生对学校周边以及所在的地方区域人们的生活状况及其文化背景的了解并不多。倘若本科教育能让学生领会到从身边学起、从生活学起，充分利用周边的资源学习传统工艺，实地观察、学习，则有利于学生对自己所处的环境和人群生存状况产生真实感情，从而激发艺术创作灵感，使艺术作品得到升华。即使本科教育只让学生学习到传统工艺美术一些基本技法与工艺工序，也能为学生的艺术生涯打下基础，对学生日后创造性的学习工艺美术知识与技能产生很大的帮助。只有源源不断的新鲜血液输入到传统工艺美术领域里，我国的传统工艺美术才能得到持续的发展，希望我国传统工艺美术能重现昔日雄风。
参考文献：
[1].张夫也。 全彩东方工艺美术史[m]. 宁夏：宁夏人民出版社，2003. 241-242.
工艺美术专业论文 10
产业发展趋向
工艺美术的发展经历过一个漫长的历史过程，具有深厚的文化内涵，表现了很高的审美价值。进一步发掘传统工艺美术的表现手法，做好对传统精髓的继承。传承，是甘肃省工艺美术发展的根本。世界各国的工艺美术异彩纷呈，各具优势。借鉴世界上各种文化的优秀部分，吸收先进技术，传统工艺美术才能有新的发展。借鉴，是甘肃工艺美术发展的途径。艺术不应该仅仅是美术馆的展示，而应该用来装点人们的生活。工艺美术的起源就是日常生活器物。以前皇家专用的贵重器具现在也可 亲民，是甘肃省工艺美术发展的重心。创新是一个民族的灵魂，是中国文化不竭的动力。工艺美术大师们在求异引导的前提下，发现艺术发展的规律，利用新技术、新材料、新工艺等，通过对当代生活及社会活动的深度观察与慎密思考，创作出新的工艺美术作品。创新，是甘肃省工艺美术发展的重中之重。高校是我国科技创新体系的重要组成部分，不断提升高校科技创新能力，是支撑和引领创新工艺美术发展的重要保证。
甘肃高校工艺美术发展
1高校工艺美术与艺术设计
我国高校早期就建立了以工艺美术为主的教学研方向。1956年中央工艺美术学院从中央美术学院的图案系中独立出来，这标志着我国第一所工艺美术最高学府的成立，� 随后，全国地方性艺术院校纷纷相继设立了工艺美术系科或专业，同时我国还相继建立了一批中等工艺美术专科和技工学校，形成了高等美术院校教育、中等工艺美术学校教育和多种形式的职工专业教育和职业教育相结合的教学体系。具体专业方向有陶瓷、染织、漆艺、装潢等等。而艺术设计专业是在1998年教育部颁发的普通高校本科专业目录首次出现了“艺术设计学”的称谓，这期间全国艺术院校的工艺美术专业在教学思想上开始向“艺术设计”靠拢，并纷纷将学科更名为艺术设计。甘肃省各大专院校中有几十所开设有艺术设计专业，为甘肃省工艺美术在高校中的传承与创新奠定了坚实的基础。
2工艺美术发展现状
2．1工艺美术与教学
在教学方面，高校中开设工艺美术相关专业课程，主要包括中国工艺美术史、外国工艺美术史、民间美术、装饰美工、图案、漆画、染织、壁毯编制、雕塑、篆刻、堆绣与壁画、陶艺等，以西北民族大学为例。西北民族大学美术学院艺术设计（唐卡）专业的主干课程，包括透视学、艺术概论、藏族宗教发展史、藏族美术史、艺术解剖学、藏族民俗、藏族历史、平面构成、色彩构成、藏族图案、工笔重彩人物、工笔花鸟、唐卡线描、唐卡构图学、藏画色彩、堆绣与壁画、藏传佛教神像体系。学生系统地学习藏族绘画的理论知识和基本技法，正确认识和理解藏传绘画的优秀传统，掌握唐卡艺术特有的造型规律、审美特点、表现技法，同时结合现代设计手段，较熟练地运用藏传绘画的艺术形式进行创造，具备本专业创作与设计的基本素质。为甘肃省以及周边藏传佛教地区的绘画、工艺美术的发展培养了高素质的后备力量。
2．2工艺美术与科研
近年在国家科学技术奖励大会上，高校科研成果的获奖数量再次表明：高校的科研力量已经占据了国内科研领域的半壁江山，在工艺美术研究方面也是如此。在国家社会科学基金、甘肃省社会科学基金等对艺术类专项基金资助下，甘肃省各高校在工艺美术方面的科学研究得到了长足发展。如西北师范大学美术学院田卫戈主持完成的甘肃省社科项目“甘肃民俗艺术资源及发展项目评估体系研究”；兰州交通大学艺术设计学院管兰生主持完成的甘肃省教育科学十一五规划课题“民俗艺术素质教育研究”；兰州城市学院美术学院玲主持完成的甘肃省社科项目“甘肃区域美术资源在高校艺术教育中的应用研究”等专项研究，为甘肃省工艺美术和高校发展提供了理论指导、报告分析、研究成果转化等高层次的专业指导。近年来甘肃省各类艺术设计院校教学改革工作如火如荼，大力开展工作室教学已成为艺术设计类院校教学改革的主旋律，许多院校改革的步伐很大，并已取得了成功的经验。学院教学系统建制以系部为单位，下设教学工作室。一般分为准工作室制、完全工作室制、模拟工作室制三种。准工作室制是指，在大学一、二年级时，由各专业系部统一安排学习专业基础课程。
从大三后开始进入工作室，由工作室组织专业设计教学，直至毕业。完全工作室制是指，学生入校后，大一的基础教育即开始选课学习，从大二选择进入一个工作室，直至毕业。学生进入工作室，实行工作室主持人与学生的双向选择。模拟工作室制是指，学院的所有教室都赋予工作室的概念。将课堂模拟成为设计工作室，大量使用模拟项目教学法，课堂上的教师不再只是讲授理论，而是与学生进行讨论式的教学和研究。以兰州交通大学艺术学院扎染艺术� 工作室负责人管兰生，专业从事民间美术理论研究、扎染艺术研究与制作。工作室由教师牵头参与实际的创作活动，为学生创造与社会接轨的机会，使学生能尽快的适应社会，也可以使教学和社会活动联系起�
2．3工艺美术与专业竞赛
高校教学实践的另一个重要环节就是参加专业技能竞赛。通过参与比赛，激发教师、学生的兴趣，主动分析问题、解决问题，提高师生的创作与创新能力。参加专业竞赛，师生在方案论证、系统设计、新材料应用、创新能力与合作精神等方面得到了全面的提高。参与竞赛对学校的实践教学改革起到了积极的促进作用。通过比赛，将师生的创意、创新点融入到工艺美术的创作中，对其影响主要体现在造型创新、材料创新、工艺创新，甚至在图案纹样、图形创意等很多细节方面都起到了极大的推进作用。
3发展趋势
进一步提升甘肃省高校工艺美术的创新能力，以高水平科学研究支撑高质量工艺美术发展和高等教育；深化高校科技体制改革，用科研实践培养拔尖工艺美术创新人才；加强分类指导和有组织创新，充分发挥各级各类高校在国家工艺美术创新体系中的作用，实现高校科技协调持续发展。高校工艺美术研究要面向产业建设主战场、与人才培养紧密结合这根红线一脉相承，贯穿始终。战略重点和中心任务，随着国内外工艺美术发展的需求而不断发展，与时俱进，提高甘肃省工艺美术产业在国内外的竞争力。
甘肃高校工艺美术创新能力
1创新团队
高校创新型科研团队，是根据学科结构、年龄结构、技术专长等有利于创新成果产生的各项因素，以学术带头人为领导，以科研创新为目的，以研发科学技术为内容的学术组织。甘肃各大专院校中，以建立健全产学研团队作为发展核心。以兰州交通大学为例，兰州交通大学艺术设计学院拥有较强实力的教学科研团队，包括教授五名、副教授八名、讲师三十二名、高级工程师以名、博士两名、硕士三十一名、在读博士两名、在读硕士七名，平均年龄不足40岁，是一个活力充沛的教学科研团队。坚实的学术背景、浓厚的科研气氛，使得团队在近年来呈现出蓬勃发展的良好态势。
团队成员教师，在科技创新中起到决定性的作用，也是最活跃的因素和原动力。学院成立以管兰生教授为带头人的专项教学与科研团队，研究传统艺术与创新。其中管兰生负责民间美术以扎染艺术和民间手工艺为主要研究和创作方向；成员梁艳负责工艺美术以掐丝漆艺葫芦工艺品为主要研究和创新方向等。研究成果以学术专著、学术论文、社科项目申报、调研报告、专业竞赛、作品展览等多种形式呈现，将研究成果直接面向社会，对甘肃省民间美术与工艺美术起到了一定的推动作用，获得了较高的社会评价。
2创新平台
开放和交流是师生及时掌握国内外学术动态和信息的重要平台。积极开展对外学术交流，鼓励师生参与国内学术交流活动，邀请专家、学者、工艺美术大师来学校进行学术交流，建立起高校、科研机构和企业共同合作研究的运作机制，拓宽教学研的学术平台。创新人才培养，要建立科技人才的培养基地，并通过引进科研创新人员，建立健全团队专业组成，提高团队整体教学研素质。
以西北师范大学美术学院为例，学院近年来先后邀请中央美院靳尚谊教授、俄罗斯列德涅夫•瓦教授和瓦西里耶娃•阿博士、美国玛斯金格姆大学孙焱和罗伯特教授、南京艺术学院奚传绩教授、《中国美术教育》副主编崔卫博士、清华大学美术学院杜大恺教授、四川大学艺术学院黄宗贤院长、西安理工大学艺术与设计学院吉晓民院长、三峡大学艺术学院崔毅院长、中国人民大学博士生导师沈尧伊教授、香港职专设计学院考察团等国内外知名艺术家来学院进行深入的学术交流，并建立了良好的合作关系。同时还是《中国美术教育》杂志、甘肃省美术家协会、甘肃省美学研究会、甘肃省文史馆等多个国内学术机构和组织的重要成员单位和理事单位，为学院发展创造了有利的交流和沟通平台。
3创新环境
科技资源是科技创新环境的硬件设施，是高校科技创新的支撑点。甘肃省高校近几年在优化配置利于教学研衔接、配置效率优先、服务同步等方面取得了一定成效，并逐步建立起科技创新良性循环。科技创新新政策、新机制等是科技创新环境的软件条件，是发挥支撑创新能力的各种资源运行效率的保证。甘肃省地方政府、企业、高校已逐步搭建起创新合作、创新协作平台，实现创新共赢，为甘肃省工艺美术的发展奠定了坚实的基础。
结语
工艺美术论文 11
1、创设良好的教学环境
基于工作室制的教学，有别于传统教学模式的重要因素就是其实践性，项目化工作实验场地的构建，对于真实工作环境的模拟极其有利。通过各种设计元素的辅助，学生在真实的工作环境当中不仅能够有效巩固专业的理论知识，对于创新思维的培养，更是有着积极的影响[3]。在此过程中，应当确保教师能够具有相应的实践技能，才能使其教学能力满足民族工艺美术的设计需求。
2、积极承揽相关专业的市场项目
项目的市场化开展是决定工作室制的教学成败的决定性因素，对此，教师应当在工艺美术市场中积极寻找合作项目。比如通过与装饰公司的合作，来掌握民族工艺美术设计最为前沿的动态，更好地发现问题以便于更好地解决问题，这样才能使学生对当前的工艺设计市场有着最直接的了解，通过不断地积累经验来拓展设计思路，提升综合能力。
3、完善考核评价标准
基于工作室制教学项目的实施，是一个系统化的过程，教师应当充分发挥主导作用，对学生的一切工作进行及时的监督指导。与此同时要保证做到将考核评价标准最大程度予以完善。工作室制教学的重要意义就在于其对学生创新思维的培养，因此，考核评价标准也应当脱离传统模式的束缚，以启发性为主，最大程度激活学生的创造性思维。
4、创新教学模式
民族工艺美术专业的就业能力重在设计能力，不仅需要制定多元化的考核评价标准，同时还应当对教学模式进行创新，多多采用激励竞技方式来提升学生的设计能力。比如在进行《设计创意与表达》课程教学时，可以借助工作室所承接的简单工艺设计订单项目，开展计时考核，全程对学生的操作步骤、设计细节等等进行记录，并在项目结束时征询客户对于每款设计成果的满意度，以此来对学生进行综合性评价，既能够有效提高学生的学习兴趣，同时还能提升学生的综合实践能力。
二、结论
工艺美术专业论文 12
In this paper， outstanding course building for practice
of “Ceramic Model Design” （Major of Arts and Crafts
（Direction： Glass and Ceramic Design） in Shanghai
Institute of Visual Arts is taken as an example so as to
probe into effectiveness and experience of Arts and Crafts
Teaching Mode Reform in the higher education.
一、高校工艺美术专业陶瓷设计教学模式与就业的现状
在全国高等艺术院校陶瓷设计教育中，造型设计是一个薄弱环节，很多大学都没有造型设计方面的专业教师。陶瓷造型设计课程作为陶瓷教育中最重要的课程之一却常常被忽视，究其原因还是师资队伍建设薄弱，教学方法与教学模式的老套与落后，理论与实践严重脱节，教学脱离社会实际需要。
因此，我们需要对工艺美术专业的教学模式进行改革与探索，培养符合社会需求的、具有较强实践能力和创新精神的复合型设计人才，以及直接能为企业服务的实用型人才。
二、以� 他们以自己的实践经验和精湛技艺，亲自示范操作并手把手辅导学生，以加强学生动手实践能力的培养和创作经验的积累。同时，鼓励外聘专家参与课题研究，指导青年教师完成科研项目。
另外，注重青年教师的培养。构建青年教师“自我哺育”机制，充分调动青年教师自身的主观能动性，在不断提升自身业务素质的同时，强化提高教学和科研的综合能力，实现在短时间内达到适应岗位要求的目标。如：派遣青年教师到企业中实践，建立一条使青年教师能够走出课堂――走进企业――回到课堂的渠道；支持青年教师不断开展科研活动。将青年教师纳入科研团队，为其搭建平台，提升科研能力；支持青年教师积极参与各类国际、国内学术交流活动和会议，鼓励在国内外期刊上发表学术论文，使青年教师逐�
以《陶瓷造型设计》课程为例，该课程负责人是一位在陶瓷艺术设计领域极具影响力与号召力，同时具有丰富教学经验和陶瓷企业管理能力的教授。课程主讲教师是来自国内艺术院校教授陶瓷造型设计的3位教授，他们在各自的教学单位都是陶瓷学科的骨干教师。课程辅导主要由本专业青年教师组成。在本教师队伍中教授2人，副教授2人，讲师1人，助教1人，教辅1人，3人具有硕士学位，1人有企业管理与创办工作经历，3人为外聘兼职教师，现已形成一支知识、学历、年龄、职称、学课结构合理的教学梯队。另外，该教学团队每学期定期举行教研活动，分别对《陶瓷造型设计》课程大纲、教学内容、课程重点与难点进行探讨，教师间相互交流学习，以便在教学中发挥每位教师的特长与优势，从整体上提高课程教学质量与教学效果。
2、工艺美术专业工作室的建设
工艺美术专业有一个共同特点是教学离不开工作室，因此专业学习着重以工作室教学为中心，强调学生对工艺技能的掌握，培养动手能力强、有创新精神的专业人才。在我们的教改过程中强调将教学工作室建设成浓缩的小型工厂或工坊。为此我们加大了对工作室的投入，目前使用空间达到三百多平米，可容纳三个班级90个人同时上课。另有研究工作室、柴窑工作室共九百多平米，形成一个设备齐全的集教学、研究于一体的工作室。
以陶瓷� 在工作室，学生可以了解陶瓷的各种制作方法和工艺手段，从胎釉的工艺配方实验到拉坯、捏塑、泥条、泥板、注浆，经晾干、修坯、干燥、上釉、釉下和釉上彩绘、烧成工艺等。在《陶瓷造型设计》课程中，从创意制图、效果模型制作、工作模成型、粘接洗水、素烧到高温烧成等几十道工序均由学生自己动手完成。
为了提高工作室的利用率，除了承担本专业的教学工作以外，工作室还面向松江大学城七所高校开设公共选修课，学年课时达到188节。
3、教学模式的改变与探索
1）、合理的课程体系设置
随着工艺美术工作室硬件建设趋于完善，各个工艺流程都能够在工作室中完成。因此，工艺美术专业的专业课程是依据主要工艺流程或环节来设置的。如陶瓷设计方向课程设置：
一年级主要课程有：拉坯训练、抽象形体造型、工艺基础等；
二年级主要课程有：经典造型临摹、国外套具造型临摹、陶瓷工艺学、陶瓷釉上装饰、陶瓷釉下装饰等；
三年级主要课程有：现代陶艺制作、综合装饰设计、产品设计、专业创作等；
四年级主要课程有：毕业设计效果图表达、效果图与效果模型制作、制作工艺等。
这样的课程设置形成了从一年级到四年级“以� 高年级对低年级的帮助会直接产生影响，同时四个专业课程老师可互相交流，不同课程的老师和学生可以交叉影响。另外，本专业课程实施单元制集中教学，即把课时集中在一段时间内完成教学任务。不仅使课程增强了连贯性，又在短时间内集中解决多种问题，提升了教学质量和教学效果。
工作室如同工厂的缩影，按工艺流程设置教学流程，同学们不但可以全面了解整个专业的实践操作流程，重要的是通过四年的实践学习，能掌握各种专业技术，毕业后能直接与社会接轨，可以独立创业，开办个人艺术工作室；也可以进入设计公司，迅速在某一设计岗位独挡一面。
2）、新颖的教学方法与手段
a、不断整合和调整教学资源和教学内容，保持教学内容与行业发展同步，关注最新的陶瓷玻璃的设计资讯和发展趋势。
b、强调系统知识框架下动手能力的培养，结合专家学者的理论传授和专题讨论，利用现代化的教学手段如多媒体课件、计算机辅助教学手段，改变“黑板加粉笔”的传统模式，体现了信息化特征。实践课程在工作室进行实际操作，以及到企业参观、实习，形成设计作业与产业生产挂钩的教学新模式。
以《陶瓷造型设计》课程为例，主讲教师主要从各个历史时期世界经典的陶瓷造型设计产品出发，讲授陶瓷造型设计的基本理论和设计规律，提出设计课题作业。教师指导学生进行陶瓷设计图纸的绘制以及效果图的制作，在课堂上采用多媒体等手段进行讨论、报告和总结等。带领学生到企业参观，课下进行市场调研，调动学生的学习积极性，让课堂所学的理论知识即学即用。在实践方面采取教师示范和单独指导相结合的教学模式，使每个学生都可以得到锻炼，熟练掌握陶瓷造型制作的工艺流程。对于一些优秀作业，利用教学团队的社会资源，与企业生产相结合进行投产推广。
c、充分利用各种资源，让学生的学习创作不局限在课堂。采用教学和科研相结合，让学生在实际项目的操作中得到锻炼，组织和鼓励学生参加比赛等。
3）、健全的教学管理流程
课前准备：提前一个月联系任课教师给予充分备课时间和准备上课所需要的材料、工具，开课前两周为兼职教师预定机票与住宿。
初期规划：正式上课的第一天，指定专职教师迎接外聘老师，并简要介绍学校上课的规章制度，如考勤等细则。
中期检查：当课程进行过半，专业负责人会了解课程的教学进度和课程实施情况，如果发现有偏离教学目标或没有达到预定教学效果的情况，会及时与任课教师沟通，以确保整个课程的教学水准。
后期成果：课程结束后，专业负责人和专业老师会观摩学生课程作品，检查作品的完成情况，对教学效果作出评价，对需要改进的地方和任课教师做沟通。
4）注重产学研有效结合
本专业充分利用现有设施条件与社会资源，形成企业、工作室、项目制相结合的先进教学理念和新型教学模式。积极与企业合作，共同开发设计项目。工作室与项目制之间紧密结合，充分挖掘学生的创新意识和设计潜能，并根据学生的专业兴趣分为造型、拉坯、装饰、玻璃工艺四大方向，为学生提供校内、外良好的实习环境，完成从创作到成品的一体化进程。
三、以� 2013年7月，国内高校首个无烟柴窑投入教学使用，强调传统制陶工艺与现代设计思想的有机结合。基于该教学模式的建立与实施，本专业《陶瓷造型设计》课程被评为“2011年上海市教委重点课程”、“2013年度上海高校市级精品课程”，并获得“2014上海市属高校应用型本科试点专业”的项目建设。经过近几年的建设，本专业已形成了完整合理的教学管理体系，拥有完善的教学计划、课程标准、课程大纲及教案，教学方法灵活，取得良好的教学效果。
与此同时，本专业特别重视培养学生的职业技能和个人艺术素养，重视传统知识与技术、专业技能与创作经验的传授，使学生能适应工作、生产、社会的需求，将设计教育与时尚创意产业挂钩，在继承传统与发展产业的同时，推动中国的陶瓷产业进入新阶段。
